Piel de gallina

30segundossobreTokyo

King Sunny Ade "Synchro System" (Island 1983)

Cuando hablamos de música hecha en Nigeria, siempre no viene ala mente l nombre de Fela Kuti y de ese afrobeat que el se inventó y luego expandió como un reguero de pólvora por toda África y luego por el resto del mundo. Pero no solo Nigeria dio al gran Kuti y el Afrobeat, ni mucho menos.
¿Existe una psicodélia africana? Todos podemos pensar que no, pero nada más lejano a la realidad. Precisamente en la raíz africana está la némesis del género, sobre todo presente en los Master Musicians Of Jajouka pero también hay ejemplo más elaborados.
A mediados lo los 70, un músico nigeriano crea un grupo llamado African Beats y empieza a dar a conocer la Juju Music, música absolutamente hipnótica, con un altísimo contenido rítmico y melódico que hace que la gente vuele de una forma total al mismo tiempo que no puede por más que mover sus pies y cuerpo de forma continua. King Sunny Ade, así se llama el creador del asunto, se apoya en dos elementos principales: una percusión suave y sinuosa producida por los llamados talking drums, unos pequeños tambores que se colocan debajo de la axila y son golpeados por un arco y que producen unos sonidos muy peculiares según lo deseado y, en segundo lugar, por unas guitarras rítmicas y solitas que realizan unos punteos absolutamente totales. Esas guitarras no están presentes de una forma continua en la canción, sino que o están en un segundo plano o aparecen de forma principal pero por poco tiempo. El sonido de esas guitarras provoca una sensación como de estar ante una versión africana de música cósmica, acentuada por una presencia también modesta, de electrónica de la época, supongo que debida al trabajo en estudio. Todo esto hecho con un grupo de 22 personas
No se sabe como demonios fue la cosa, que la Juju music de Ade llego a los oídos de los responsables de Island que, en esa época, y gracias al éxito de Marley, buscaban entre los sonidos no anglosajones otro Marley con el que arrasar. Se fijaron en Ade y le ficharon para sacar tres discos en Europa y USA, esperando que fuera un bombazo igual al del jamaicano. Ni que decir tiene que la cosa no fue así, pero los tres discos editados por Ade en Island son impresionantes y, sobre todo, este Syncro System. Un disco que sirve para babear de forma continua, si uno se deja arrastrar por esa tormenta rítmica sin fin. Esas guitarras, esos coros, esa percusión son un puto tripi.
Después de terminar su contrato con Island, Ade siguió grabando discos y actualmente sigue siendo uno de los reyes indiscutibles de la música nigeriana.

30segundossobreTokyo

Elakelaiset - In Humppa We Trust-Live! (Stupido Records)

Elakelaiset - Humppakarajat (Stupido Records)

Elakelaiset - Humppamaratooni (Stupido Records)

Finlandia, ese país y sociedad que, al ser tan distinta, sentimos una especial atracción sobre él. Bueno, ya se que no es algo excesivamente popular, pero digamos que entre los raros es un país al que le sentimos un especial cariño. El hecho de pasarse tantos días bajo el frió y la noche ártica hace que pensemos que se pueda tratar de una pandilla de gentes más propensas al suicidio que de la fiesta. Falso.
Una de las más grandes contribuciones al campo de la juerga general a nivel mundial que ha dado ese país es un grupo que es prácticamente desconocido aquí: Elakelaiset (me faltan un par de acentos raros, pero básicamente la cosa es así).
¿De que van estos tipos, os preguntareis vosotros, pequeños polluelos? Pues es un cuarteto de simpáticos finlandeses que con un kit de percusión electrónico, un acordeón, órgano, bajo, algún cachivache más y, claro está, sus voces, se dedican al noble arte del humppa pop, lo que es decir, la mutación y desgarro de conocidísimas canciones del pop rock maintsream. A velocidad fija y en suomi, estos tipos basan su espléndida carrera a realizar un cancionero cervecero, irreverente, cachondo y salido de madre. Acostumbra a tocar en pelotas y es muy divertido jugar a adivinar que canción están tocando. No se salva ni dios de que le hagan una versión. Alguno de los nombres que los finlandeses se han encargado de pasar por el forro son Bon Jovi, Queen, Los Del Rio, Oasis, Doors, Clash, Cure, Led Zeppelín, Suzanne Vega y un montón más. Todos los títulos de sus versiones llevan la palabra humpaa que supongo que es su marca de fabrica.
Les aseguro, queridos lectores, que la escucha de uno, dos, tres, cuatro o todos sus discos s, además de un divertimento a gran escala, un sanísimo ejercicio de desmitificación.
Estos seminales finlandeses, tan tarados y primordiales como imprescindibles, como he comentado anteriormente son casi, por no decir, del todo desconocidos aquí. Son muy populares en Alemania, donde actúan en festivales grandes, incluso en festivales con gran presencia heavy; pero también lo son en Dinamarca, los países nórdicos e incluso creo que han actuado en Moscú y en Paris, aunque de esto no estoy seguro.
Su nula presencia en España dice mucho del carácter relativamente extrovertido español, que no se entera de un pijo y menos de lo que pasa fuera de los dos o tres países que el aficionado español imbécil piensa que se hace todo. A ver quien es el valiente que los trae y nos echamos una risas, que hace falta, hombre, con tanto muermo, leñe.
Yo tengo tres discos de los, incluso un directo suyo grabado en el Roskilde del 96. Les recomiendo que se bajen alguna cosilla en la mula, donde están sus 8 discos, y se pasen un rato inolvidable con sus familias, amigos, allegados, compañeros de trabajo, de sindicato y, porque no, sus jefes, que también necesitan de distracción. Ya me dirán.

30segundossobreTokyo

Bohren & der Club of Gore "Black Heart" (Woder Records 2004)

Y las luces se apagan, pero por completo. La oscuridad más cerrada se adueña del espacio. Inmediatamente se encienden los primeros cigarrillos. La luz de los encendedores resulta ser un auténtico relámpago dentro de la oscuridad reinante en la sala. Poco a poco, la gente que esta en la sala y que, unos minutos antes, se ha visto sorprendida ante la visión de mesas y sillas en la platea, va guardando silencio porque sabe que algo va a suceder y que hablar solo va a entorpecer lo que se avecina. Los brasas de los cigarrillos encendidos sirven de luces de posición para saber donde están ellos y las copas que, anteriormente, se nos han ofrecido. Baja la intensidad de las conversaciones y, de repente, se intuyen unas figuras que salen al escenario. Uno se pregunta como es posible que no se peguen la gran torta porque realmente no ve nada, o muy poco. Casi al instante unas muy tenues luces surgen del techo del escenario para iluminar, de forma escasa pero supongo que suficiente, el micrófono y otras cosas que los músicos necesitan ver. No es una luz para que el público pueda ver al grupo, ni para que el grupo pueda ver al músico. Los dos estamos a ciegas. No hay ninguna posibilidad de distracción, no hay posibilidad de perderse. Tanto ellos como nosotros hemos de realizar un intenso ejercicio de concentración, de disfrute instantáneo e intenso de lo que, en breves momento, va a pasar.
Al poco rato, todo se inicia. Todo se pone en marcha. El sonido lento, extremadamente lento, va saliendo del escenario y empieza, como una sombra dentro de otra sombra, a invadir cada rincón de la platea. El bajo es tremendamente pronunciado y la batería marco su continuo ritmo lento, alucinantemente lento. Y, al cabo de unos minutos, entra el saxo. Y ya la tenemos montada. Un saxo calidamente frio, afilado y melódico, distribuidor de imágenes en blanco y negro, imágenes llenas de humo, imágenes llenas de inquietud y desasosiego, soledad y melancolía. Imágenes también llenas de un cierto sentimiento de desesperación. El conjunto no deja de asombrar, no deja de hacer que su sonido vaya paulatinamente no solo llenar todo el espacio físico de la sala, sino que vaya entrando como un vapor letal en todos los poros de tu piel. Termina la primera pieza y la gente reacciona como siempre tiene reacciona ante un espectáculo lúdico circense: el aplauso. Craso error. La mejor manera de premiar eso es el silencio. La banda sigue desgranando, al mismo ritmo y con teclados, sus temas densos y oscuros, llenos soledad y misterio. Todo empieza a tener sentido: el porque de la falta de luz, las sillas y mesas y, dejando aparte esos pequeños e insignificantes detalles, el porque a uno le gusta la intensidad en el arte. Solo en la intensidad uno puede disfrutar de cosas que no solo sirven para uso y disfrute lúdico, sino que también sirven para realizar un breve viaje al interior de sentimientos y emociones mucho más personales que las que siempre estamos habituados a tener a mano.
Los primeros comentarios van apareciendo entre los espectadores, alabando la música y la puesta en escena, absurdos y nimios comentarios propios de espectadores que gustan de hacerse el interesante. Pero el grupo no esta para eso, ni yo tampoco. Incluso uno empieza a seguir el ritmo ralentizado hasta la extenuación y a pensar porque demonios a esto se le llama “horror-jazz”. Me meo de la risa. Para cagarse. Esto es música enorme y sin ninguna posibilidad de etiquetación.
El bolo va terminando, vamos bajando de la nube. El grupo empieza a mostrar que la cosa termina y ordena alas sombras que vuelvan al escenario y, de allí, a sus instrumentos. Nuestros ojos ya se han acostumbrado a la oscuridad y lo que hace unos minutos era opaco, ahora ya es casi luminoso. El grupo termina su repertorio, el público aplaude forma unánime, algunos esperamos un bis. Después, algunos esperamos que los componentes del grupo salgan a vender merchandising y lo compramos. La realidad ha vuelto, la magia se ha ido, pero está enlatada en cada copia de este disco. Solo hay que tener un reproductor, un sofá, unos auriculares y las ganas de que la oscuridad y el misterio te vayan entrando por cada oreja y disfrutes de ella. Y, gracias a esta oscuridad, lo veras todo un poco más claro.

Trinxo

@30segundossobreTokyo:1osq0eic:

Elakelaiset - In Humppa We Trust-Live! (Stupido Records)

Elakelaiset - Humppakarajat (Stupido Records)

Elakelaiset - Humppamaratooni (Stupido Records)

Finlandia, ese país y sociedad que, al ser tan distinta, sentimos una especial atracción sobre él. Bueno, ya se que no es algo excesivamente popular, pero digamos que entre los raros es un país al que le sentimos un especial cariño. El hecho de pasarse tantos días bajo el frió y la noche ártica hace que pensemos que se pueda tratar de una pandilla de gentes más propensas al suicidio que de la fiesta. Falso.
Una de las más grandes contribuciones al campo de la juerga general a nivel mundial que ha dado ese país es un grupo que es prácticamente desconocido aquí: Elakelaiset (me faltan un par de acentos raros, pero básicamente la cosa es así).
¿De que van estos tipos, os preguntareis vosotros, pequeños polluelos? Pues es un cuarteto de simpáticos finlandeses que con un kit de percusión electrónico, un acordeón, órgano, bajo, algún cachivache más y, claro está, sus voces, se dedican al noble arte del humppa pop, lo que es decir, la mutación y desgarro de conocidísimas canciones del pop rock maintsream. A velocidad fija y en suomi, estos tipos basan su espléndida carrera a realizar un cancionero cervecero, irreverente, cachondo y salido de madre. Acostumbra a tocar en pelotas y es muy divertido jugar a adivinar que canción están tocando. No se salva ni dios de que le hagan una versión. Alguno de los nombres que los finlandeses se han encargado de pasar por el forro son Bon Jovi, Queen, Los Del Rio, Oasis, Doors, Clash, Cure, Led Zeppelín, Suzanne Vega y un montón más. Todos los títulos de sus versiones llevan la palabra humpaa que supongo que es su marca de fabrica.
Les aseguro, queridos lectores, que la escucha de uno, dos, tres, cuatro o todos sus discos s, además de un divertimento a gran escala, un sanísimo ejercicio de desmitificación.
Estos seminales finlandeses, tan tarados y primordiales como imprescindibles, como he comentado anteriormente son casi, por no decir, del todo desconocidos aquí. Son muy populares en Alemania, donde actúan en festivales grandes, incluso en festivales con gran presencia heavy; pero también lo son en Dinamarca, los países nórdicos e incluso creo que han actuado en Moscú y en Paris, aunque de esto no estoy seguro.
Su nula presencia en España dice mucho del carácter relativamente extrovertido español, que no se entera de un pijo y menos de lo que pasa fuera de los dos o tres países que el aficionado español imbécil piensa que se hace todo. A ver quien es el valiente que los trae y nos echamos una risas, que hace falta, hombre, con tanto muermo, leñe.
Yo tengo tres discos de los, incluso un directo suyo grabado en el Roskilde del 96. Les recomiendo que se bajen alguna cosilla en la mula, donde están sus 8 discos, y se pasen un rato inolvidable con sus familias, amigos, allegados, compañeros de trabajo, de sindicato y, porque no, sus jefes, que también necesitan de distracción. Ya me dirán.

30"" tio! no sabes lo que has hecho! Desde que me he bajado de la mula los discos de esta gente en mi piso nos vamos a dormir a las tantas descubriendo de quien es el original que (per)vesionan los freakys estos, que grande tio, que risa!

30segundossobreTokyo

Bueno, no es ningún merito por mi parte. Me alegro de que te gusten. A mi y ami señora nos llevan alegrando la existencia desde hace unos años y nunca fallan cuando el animo está un poco bajo.

jackster

@30segundossobreTokyo:3okaqep3:

Bueno, no es ningún merito por mi parte. Me alegro de que te gusten. A mi y ami señora nos llevan alegrando la existencia desde hace unos años y nunca fallan cuando el animo está un poco bajo.

O Cuando hay que acoger a un turista en su coche. A mi también me parecieron la mar de divertidos :wink:

30segundossobreTokyo

bueno, creo que podemos iniciar una pequeña comunidad hummpa.

Trinxo

@30segundossobreTokyo:2dvqeift:

bueno, creo que podemos iniciar una pequeña comunidad hummpa.

Joer, menudos pintas…

30segundossobreTokyo

EYELESS IN GAZA "VOICES" (Cherry Red 1993)

Eyeless In Gaza son un auténtico producto de su época. Nacidos en el 80 en pleno cambio estilístico que pretendía cambiar las estructuras de la música popular tras el torbellino punk & new wave, Martin Bates y Peter Becker realizaron el pequeño milagro de mezclar y crear con esa mezcla un sonido particular. Como no podía ser de otra forma, el dúo absorbió todo lo de industrial y electrónica que estaba naciendo en esos años, pero lo suyo era conjuntar estos elementos, en dosis muy justas, con el espíritu pop británico y hasta con algunas gotas de folk. Vanguardista. Pero su esencia pop no les hizo caer en la tentación de realizar canciones obvias, sino que ellos trataron de realizar algo distinto. Aunque sus canciones tengan estribillos y, algunas de ellas, son serias aspirantes a quedar en la memoria, los fondos instrumentales les hacia ser distintos a cualquier banda pop que usara guitarras. Eyeless In Gaza eran (son, pues parece que siguen en la brecha, buenas noticias) únicos a la hora de unir tecnología y lirismo, y buena parte de ello la tienen la hermosa voz de Bates Esta recopilatorio es una muy buena forma de entrar en su mundo ya que recoge la que para mi es su mejor época (1980 – 1986). Se puede apreciar claramente la evolución de su sonido, desde las canciones con una estructura más o menos mínima hasta las que, en el último tramo del disco, necesitan de mayor sostén sonoro. Pero todas están cimentadas en unas melodías y en eso que hace del pop algo fugaz a la vez que intemporal. Y, tampoco hay que ocultarlo, Eyeless In Gaza forman parte del núcleo primigenio que luego se llamo escena independiente británica, tanto ellos como otros compañeros de días y de discográfica, la ya legendaria Cherry Red.

30segundossobreTokyo

SIOUXSIE & THE BANSHEES "JOIN HANDS" (Polydor 1979)

No cabe duda de que el Join Hands no es un disco fácil. Todo al contrario, es abrupto, oscuro, denso y requiere un buen número de escuchas para poder apreciarlo, pero una vez asimilado y entendiendo el porque de su existencia, uno puede saborear de pleno con su amplio catálogo de logros. Lo más fácil que Siouxsie y los suyos pudieron haber hecho tras su brutal estreno hubiese sido crear un disco más o menos parecido a The Scream, pero creo que ni ella ni los suyos estaban por esa labor. Creo que Siouxise & The Banshees era el grupo más evolucionado y con una perspectiva más adelantada de todos los que surgieron en la primera andanada punk. Si tomamos a Hong Kong Garden, su primer single, como punto de partida, vemos muy a las claras que lo suyo era mucho más que 4 acordes mal tocados y vender una actitud. Su sonido era distinto, complemente fuera de todo control estilístico dentro de la anarquia estética reinante en esos días. The Scream fue la prueba concluyente de ello, pero si alguien se pensaba que tras esos primeros pasos discográficos la cosa decaería y el grupo pasaría a formar parte de la enorme lista de grupos de solo un disco, Join Hands apareció para poner en solfa a todos ellos, descuadrar a todo el mundo, demostrar que lo suyo no solo no era un bluf, sino que eran capaces de ofrecer algo más, algo completamente nuevo y que pocos lo vieron en esos días. Digamos que el sonido que los Banshees propinan fue adoptado por unas personas que lo bautizaron como “gótico” y otras como “post punk”, pero personalmente opino que Siouxsie & The Banshees, con este disco, abrió las puertas a un nuevo concepto de la psicodélia de la que luego se adueñaron otros grupos. Utilizando el ruido, la distorsión y un cierto espíritu improvisador (totalmente claro en The Lords Prayer), el grupo se lanzó de lleno a crear eso que luego se llamaría noise rock, pero como siempre ocurre, ellos lo hicieron de una forma muy distinta a lo que luego se hizo popular.
El grupo actúa en este disco como una implacable máquina que sirve para crear el máximo ambiente de angustia posible. La guitarra McKay no deja ni un segundo de tregua, estrujando las cuerdas y sacando todo lo que puede y más de ese instrumento. El bajo de Severin es una inmenso corazón de alucinantes paisajes de complejidad intrínseca, la batería de Morris (dios, que forma más cafre de tocar la batería tenia este tipo) simplemente bombardea a diestro y siniestro machacando neuronas y, claro esta, Siouxsie se encuentra como pez en el agua en el papel de suma sacerdotisa de un extraño culto, con esa voz que es una constante montaña rusa que va de arriba debajo de forma continua.
Los temas del disco no ofrecen ninguna duda: son los más oscuros y misántropos de toda la carrera del grupo y uno de los más notables de todos los paridos en esa época. Incluso en Mother / Oh Mein Pa Pa el grupo se permite la licencia de tener dos letras distintas, cantadas al unísono por Sioux y que crea un efecto alucinante: en una de ellas, el de la madre, Sioux canta de forma encantadora y angelical; en la otra es una monstruo perturbador y posesivo, todo eso a un ritmo de nana (se usan sonajeros, cajas de música y otros instrumentos relacionados con la infancia) que va mutando hasta convertirse en inquietante zumbido / crujido a medida que la letra avanza. En otra pieza del disco, Regal Zone, se habla de varios aspectos macabros y del abuso de poder y se podría considerar a The Lords Prayer como el Sister Ray del grupo, y así un amplio catálogo de lindezas que hacen de este disco una obra hermosamente insana, inmerecidamente obviada por los fans y una de las cumbres del auténtico sonido post punk (de nueva psicodélia, como queráis llamarlo). Después de ese disco, el grupo cambiaria de miembros y cambiaria también de sonido, pero no llego nunca a prostituirse, sino que buscó otras formulas. Y eso hace de Siouxsie & The Banshees un grupo como la copa de un pino además, claro está, de su música pura y desnuda.

30segundossobreTokyo

BRIAN ENO & DAVID BYRNE "MY LIFE IN THE BUSH OF GHOSTS" (EG 1981)

Disco revolucionario como pocos. A lo mejor sin pretenderlo, aunque vete tu a saber si esos dos no se pensaban ya que esto tendría repercusiones, Eno & Byrne crearon la primera señal de lo que luego derivo hacia otros lugares, pero que tenían a este disco como unto de partida.
Terminada la aventura del Remain In Light, Eno & Byrne vieron que su colaboración mutua no había terminado y que podrían hacer algo más. Decidieron seguir avanzando en los terrenos funk, pero todavía adentrándose en las teorías experimentales de Eno y decidieron que su próxima colaboración tendría un protagonista principal: los medios de comunicación. No seria un disco cantado, pero no instrumental. Utilizaron diversas fuentes sonoras provenientes de diversas fuentes grabadas de ante mano y, en un tanto por ciento muy importante, de emisiones de radio. Así nació el primer disco que intenta reflejar, de una manera concisa, el amplio mundo de los medios de comunicación en un contexto musical en gran medida popular, aunque no por ello dejando de lado la experimentación. Y quizás es el primer gran disco donde la electrónica, la música de baile y el pop se dan la mano de una manera precisa.
Eno & Byrne se rodearon de un amplio número de músicos, 10 en total entre ellos Chris Frantz, Bill Laswell y Busta Jones para crear la base instrumental. Ellos dos, aunque también le daban a los instrumentos musicales, se encargaron en gran medida de buscar y ensamblar los distintos cortes de voz que acompañarían a estas partes instrumentales.
No es un disco absolutamente bailable, ya que hay temas más calmados y densos, incluso los temas más movidos hay un cierto sentido de tirantez en su interior. Es como si Eno & Byrne pretendieran crear un mosaico de imágenes que reflejaran las distintas idiosincrasias del mundo de la época, idiosincrasias que, años después de realizar el disco, continúan muy vigentes. Aunque existen muchos discos que son capaces de crear imágenes mentales, este no solo lo hace, sino que es ideal para escuchar viendo un video wall con distintas imágenes.
En la música de este disco encontramos las referencias funk que tanto le gustaban a Byrne y Eno en esa época, pero también encontramos piezas de clara influencia árabe, piezas de ritmo serpenteante y enigmático. Canciones que ponen la piel de gallina como Help Me somebody, con la voz del radio predicador gritando mensajes de redención y pecado; o Mea Culpa con la voz de un muy cabreado ciudadano llamando a una comisaría de policía; o en Come With Us (un tema absolutamente adelantado a su época) con la voz de otro evangelizador radiofónico. Incluso el dúo se permite, en los dos últimos traces, explorar las posibilidades del ambient.
En fin, para que contar más cosas. My Life In The Bush Of Ghosts abrió y mostró a toda una generación las múltiples posibilidades de la electrónica y la utilización de fuentes externas de sonido para la realización de música popular, cosa a la cual ahora estamos tan habituados.

frankie teardrop

Recuerdo cuando me compré estos tres vinilos de una atacada, en una feria de coleccionismo discográfico, con una resaca de anfetaminas del carajo, sin poder articular palabra a pesar de las lisonjas que el vendedor me dedicaba por mi buen gusto, mientras yo le miraba así:

churro

@30segundossobreTokyo:33pq0drd:

SIOUXSIE & THE BANSHEES "JOIN HANDS" (Polydor 1979)

Como curiosidad señalar humíldemente que con ella tocaron en sus comienzos, Sid Vicious (la batería), Robert Smith y Marco Pirroni (guitarrista de Adam & the Ants).Tengo un libro de fotos donde sale ella como jovencísima fan en un concierto de los Sex Pistols.

30segundossobreTokyo

bueno, smith volvio a tocar con ella cuando McKay se fue del grupo inmediatamente despues de este disco. Yo ví en Barcelona un bolo de Siouxsie & The Banshees con Smith a la guitarra.

kodrinsky

A mí el que me sigue poniendo la piel de gallina es éste:

De los de Nueva York me gustan todos pero el honor de piel de gallina es para él.
El pasado año me perdí el concierto de Ranaldo en el Auditori y lo sigo lamentando.

RX456 Seed

…

poppie

hablando de NICK CAVE, muy buena la BSO de "The proposition" con Warren Ellis

30segundossobreTokyo

Hacia días que no pasaba por aqui… será cosa de arreglarlo.

Definitivamente, eso de la exploración espacial y todo lo relacionado con otras galaxias y la vida extraterrestre ya no es lo que era. Ahora, todas las noticias acerca de un nuevo lanzamiento de naves o sondas o acerca de descubrimientos acerca del espacio y todo lo que lo rodea lo asimilamos con frialdad y naturalidad, como si esto de los años luz, supernovas y todo eso lo viviésemos cada día. Nos alimentamos de esas noticias entre cucharadas de sopa y viajes al filete de ternera o de pollo resfriado en las noticias del mediodía o de la noche. Les prestamos muy poca atención. Los pensamientos van todos hacia la hipoteca de rigor, el jefe cabrón, el maestro chungo o, algunos de nosotros, en otra “galaxia” más cercana físicamente, pero económicamente a pársecs de distancia de nuestras cuentas corrientes ajustadas cada DIA 20 de mes. Nos hemos vuelto, en ese aspecto y en otros muchos, una sociedad cerrada en los límites de la troposfera, viéndonos a nosotros mismo los únicos desgraciados del universo y sin ninguna curiosidad para ver si hay alguna salida a esta situación, aunque esta salida sea ofrecida por seres evolucionados que han superado el asunto ese de los pisos de 30 metros cuadrados o de las elecciones sindicales. Estamos, desde hace tiempo, en una edad media, amigos, donde la abulia y la apatía reinan en nuestros corazones para provecho de los poderes de siempre, que así ven como nuestra principal arma, la imaginación, queda castrada hasta los límites de un vegetal. Y no veas lo bien que les va esto.
Pero no siempre ha sido así, querido amigos. Hubo un tiempo no muy lejano donde todo era distinto. Un tiempo donde la humanidad, de todos los credos, colores, situación económica y filiación deportiva veía el espacio como, no solo la puerta a inmundo mejor para la humanidad entera, sino como una enorme y fructífera forma de expresión artística. Una muy divertida expresión artística, por cierto. El arte humano del siglo XX está trufado de continuas referencias al espacio y a todos los misterios que este ofrece. ¿Por qué ocurrió esto? Pues, como ya conocéis mi teoría, durante una gran parte del siglo XX una intensa colonia alienígena estuvo en la tierra controlando diversos canales del entendimiento terrestre. Así, muchos de estos exploradores de otras galaxias nos estudiaron y, algunos de ellos, incluso nos legaron algunas de sus expresiones artísticas creando un fenómeno amado por todos: la música popular del siglo XX también conocida por música pop. De esta manera, una serie de extraterrestres, con forma y nombre humano, fueron introdujendo de una manera paulatina, pautas de creación artística unas veces puras y otras con alto grado de influencia humanoide. Y uno de ellos tenía la forma corpórea humana que respondía al nombre de Joe Meek. Este alienígena, de origen desconocido se encargo, detrás de una mesa de controles de un estudio de grabación en Inglaterra. Tomo su forma terrestre en ese país en 1929 y durante las décadas posteriores a su maduración como terrícola, traslado sus conocimientos acerca de electrónica extraterrestre a los primitivos artefactos que creando una serie de aparatos que le sirviesen para recrear la música popular de su planeta en la Tierra. Como sus conocimientos manuales, intelectuales y psíquicos eran mucho más avanzados a los terrestres, compagino su tarea de ingeniero musical e investigador sonoro con el de músico. A lo largo de su estancia en la Tierra hasta el momento en que fue definitivamente reclamado en su planeta y dejo su forma corpórea (1967), el extraterrestre conocido como Joe Meek dio a la humanidad tonadas y canciones que, expandidas en las ondas hertzianas terrestres, causaron sensación entre los jóvenes terrícolas, sensación que hasta incluso en la actualidad algún amante de los sonidos de esos años todavía tiene en gran aprecio.
Pero no cabe dudad de que el máximo exponente de la generosidad del extraterrestre conocido por Joe Meek hacia los humanos fue este I HEAR A NEW WORLD, considerado música futurista por los humanos y un ejercicio de música Fol. por su creador. Realizado en 1960, el disco es un descomunal ejercicio de retro pop realizado mucho antes de que alguien se le ocurriese ni siquiera como demonios llamar al pop, simplemente porque este no había nacido todavía. En el escuchamos como es posible hacer algo bello y extasiante partiendo de la bizarrez y lo extraño, esto siempre visto desde ojos terrestres, claro esta. Meek y sus ayudantes, llamados a si mismos The Blue Men’s (cabe mayor evidencia…) dan, en solo unos 30 minutos (tiempo terrestre) toda un curso a los humanos de cómo tenia que ser la música desde ese preciso momento, una música donde la electrónica pasase a ser fundamental tanto en el proceso de creación como en el de la interpretación, pero una cosa importante es que Meek también muestra en este disco como se puede ser divertido a la vez que experimental. No busque en estas canciones tres mil pies al felino, disfruten de un enorme y monumental ejercicio de clarividencia artística y la obra condensada de un ser viviente que llego del espacio exterior para enseñarnos lo que se puede hacer en la música. Tomen nota y vuelvan sus ojos y sus mentes al espacio exterior. Abran su imaginación y, además de pasárselo muy bien, les darán por el saco a más de uno.

30segundossobreTokyo

Si, lo reconozco. Uno tiene puntos débiles como todo ser humano que se precie. Y esos puntos débiles también son bastante comunes a los de otros humanos. Y el que les escribe aquí con una cierta periodicidad no puede resistirse a los cantos de esta sirena. Mi única diferencia con el resto de los mortales es que trato de reprimir bastante mis instintos y no entrar a saco en una tienda especializada y empezara arruinar la economía familiar a base de la compra convulsiva de grabaciones de Astrud Gilberto. Si el precio es interesante y la ocasión y las ganas (siempre las hay) son muchas, el objeto cae fijo. Pero trato de controlar esta droga y trato de mantener limpio mi organismo de esta clase de dependencias.
Pero, cuando estoy en casa y la ocasión lo requiere, la escucha de su voz se convierte en algo tan absolutamente encantador y balsámico que me cuesta mucho resistirse a lanzarse a la primera tienda de discos que encuentre.
En fin, ¿Qué les voy a decir a ustedes que no sepan ya de Astrud Gilberto? Musa de esa bossa nova que muy pronto, gracias a ella, se convirtió en un fenómeno internacional y que, al cabo de un tiempo, salió de los márgenes del brasil jazz para convertirse en un referente tanto en el easy listening como en un cierto tipo de pop etéreo y romántico hasta las cachas.
Además de disponer de sus históricas grabaciones con su marido y Stan Getz que dieron la vuelta al mundo poniendo patas arriba el mundo del jazz, modestamente les puedo recomendar, si es su caso el de no disponer de ningún disco de esta mujer y estar interesado en dejarse arrastrar por su voz, de estas tres grabaciones a cual más jugosa y distinta entre ellas, aunque tengo que reconocer que me falta el Beach Samba, pero todo se andará.

LOOK TO THE RAINBOW recoge las grabaciones que Astrud, ya convertida en una estrella mundial, realizó en 1966 con una gran orquesta dirigida por Gil Evans, que también corrió con la tarea de los arreglos. En principio puede sonar raro escuchar la voz de Gilberto con tantos instrumentos, pero los resultados son harto interesantes. Además, tengan en cuenta de los arreglistas mimaban a Gilberto hasta límites
alucinantes.

A CERTAIN SMILE A CERTAIN SADNESS es, de los que tengo, mi preferido de largo. Y es que junto a Gilberto esta el cuarteto de Walter Wanderley. Cuando lo escuchen estoy seguro de que también caerán rendidos a su dominio del Hammond B3 y de cómo podía hacer algo tan impresionante con un órgano, una guitarra, un bajo y una percusión. Cuando lo descubrí, gracias a unos compilatorios de bossa nova, me puse a buscar desesperadamente por todos lados hasta que pude encontrar algo de él y es algo…impresionante. Gracias a este grupo y la complicidad de la voz de Gilberto con el grupo se producen momentos realmente inolvidables, mágicos y que te acaban llevando a sitios muy lejanos. Y encima, la grabación, con un ligero eco, hace que el conjunto tenga un no se que que no se yo que le hace algo simplemente maravilloso. Con discos como este se demuestra que tratar de describir con palabras la música es una misión imposible.

ASTRUD GILBERTO WITH STANLEY TURRENTINE es el tercero de la lista. Los dos anteriores fueron grabados en Verve y este en el sello que Cred Taylor creó cuando se largo de Verve (CTI). Los que son medianamente aficionados al jazz reconocerán de inmediato el típico sonido CTI, un sonido elegante y brillante que bebía de un jazz funk o soul. Para este disco, grabado en el 71, Gilberto se vuelve a rodear de un gran grupo, pero en el abundan muchos nombre del jazz brasileriro de principios de los 70 (aquí están los Moreira, los Deodato, Thielemans, Romao y otros), junto a nombre americanos (el mismo Turrentine, Ron Carter, o otros mas). El resultado sigue siendo tan absorbente y mágico como en los buenos tiempos.

Venga, ya hay bastante. Ahora solo les queda dejarse embadurnar, mecer, dejarse caer en la tentación de esta sirena que, con su voz, les llevará a puertos desconocidos y a sensaciones que ponen la piel de ultra gallina. Hasta los raros tenemos nuestro corazoncito.

30segundossobreTokyo

David Bowie son los años 70 y la década de los 70 pertenece por entero y por derecho a David Bowie. Nadie como el planteo cosas distintas, revolucionarias y visionarias al campo de la música popular. No era una simple máquina de hits o de buenas canciones, sino una fuente de creatividad que iba años por delante de lo que normalmente se tenía por aceptado. Con un magistral dominio del marketing como forma de arte en si mismo, heredado del mismo Warhol, Bowie supo manejar a partes iguales la tarea mercantil propia de una gran estrella (el era la gran estrella por antonomasia) con la calidad y la vanguardia. Cada disco de Bowie en los 70 no solo ponía en tela de juicio lo que se hacia en esos días, sino que planteaba nuevos retos creativos. Y así fue hasta la década de los 80. Lo increíble de la época dorada de Bowie es que, por un motivo o por otro, sus discos continúan siendo obras absolutamente preclaras, incluso cuando lo que proclamaban ya hay pasado incluso de moda. Ellas siguen inalterables, quizás por sus discos, sus letras y sus canciones continúan teniendo secretos guardados, secretos que están bajo llave y que, como si fueran extraños gases, se van filtrando poco a poco mostrando pequeñas pizcas de su magia verdadera. Creo que en esto consiste la extraña fascinación que tengo yo hacia el Bowie de este periodo. Me he pasado años sin oírlo, dejando para el poso de la memoria las canciones que descubrí en su momento. Y ahora, desde hace un cierto tiempo, las vuelvo a escuchar y descubro con interés que no solo estas canciones, estos discos, no han envejecido ni han perdido su vigencia, sino que tienen muchas cosas todavía por decir, al menos a mí. Y este es un fenómeno que solo me ocurre con Bowie y no con Lou Reed, por ejemplo. Quizás porque la fascinación que Bowie siempre ha tenido por el futurismo o por la ciencia ficción hace que estos discos sigan siendo como pequeños oráculos de algo está por venir, sea esto bueno o malo. Ya se verá. En todo esto, y en muchas cosas más, reside la grandeza de este gran genio de la música del siglo XX.
This ain’t rock and roll…this is genocide. Con esta desgarradora sentencia se inicia un disco que cerró la etapa teatral de Bowie. Pero no hablaré de esto que es un apura anécdota. Esta sentencia es toda una declaración de intenciones de uno de los discos más ásperos y oscuros de la década de los 70. Diamond Dogs es un caso raro en la historia de la música en general. No hay muchos discos inspirados en obras literarias, ya que normalmente un compositor se cree a si mismo un literato en si mismo, por lo que recoger los textos o las ideas de otra persona (fuera en este caso del mundo de la música) es un ejercicio no muy común. Bowie se inspiro de forma primordial en la archiconocida obra de Orwell 1984 para crear un disco donde plasmar sus visiones e ideas acerca de inmundo cruel, dominante y aplastante. Un mundo donde la esperanza de la libertad fuera casi como un fantasma que asustará en si mismo. Aunque a oídos quien no sepa ver esto puede sonar como un compendio de canciones sin conexión o como una obra que no tiene ese hilo argumental de las obras de los Kinks, por ejemplo, no cabe duda de que Diamond Dogs es un disco conceptual, un disco que proclama a los cuatro vientos una desesperanza y pesimismo patentes. ¿Bowie inventó con este disco el dark rock? No en estilo, porque este disco es una apología del rock guitarrero clásico de los 70, pero si que es una vanguardia absoluta acerca del alter punk más oscuro y siniestro de principios de los 80 en materia de concepto y de espíritu. Incluso en un tema tan luminoso como 1984, con ese sonido tan soul funk a los Isaac Hayes amado por Bowie desde siempre, nos encontramos con un paraje desolador, muy fiel al espíritu sombrío y tétrico de Orwell.
Pasados los años, las modas y tendencias, habiendo cambiado tanto el panorama de la música y de los conceptos musicales en si mismos, Diamond Dogs no solo se mantiene firme en su concepción, sino que los acontecimientos políticos, sociales, económicos y culturales de estos últimos tiempos hacen que estas canciones, estos mensajes almacenados en estos minutos, tengan la misma crudeza y negrura que cuando fueron creados. Los perros siguen luciendo collares de diamantes mientras nos vigilan, controlan y dictan lo que se tiene o no que hacer…todos estamos muertos en vida, todos somos zombis que sienten, aman, padecen, ríen y todo eso, pero solo son pequeños vestigios de libertad. 1984 es cada día de nuestras vidas y el gran hermano es mucho más que un programa de televisión. Algunos dirán que Diamond Dogs es un disco futurista. Nada más falso, es real, muy real. Desoladoramente real.