Piel de gallina
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The Flying Lizards "The Flying Lizards" (Virgin 1980)
Tengo que reconocer una especial debilidad por los artistas que, como se dice vulgarmente, hacen marcianadas a partir del pop. Desgraciadamente no hay muchos de pertenezcan a este gremio. No cabe duda de que el periodo final de los 70 fue una época propicia para hacer inventos y el pop no quedo al margen de esos experimentos. Mientras en USA aparecieron Devo, por ejemplo, en Inglaterra un montón de gente le dio por meter electrónica al asunto y crear el tecno-pop, pasando primero por la llamada cool-wave. Pero no todo el mundo estaba por la labor de llenarse el cuerpo de fluorescente. Un pequeño grupo de artistas con grandes inquietudes experimentales decidieron crear un tipo de música que reuniera los dos elementos: experimentación y pop. También decidieron que la tecnología y las guitarras podía unirse perfectamente para crear canciones en las que la frialdad no fuera total; que el dub también podía tener cabida; que el surrealismo y el dadaísmo fueran un núcleo importante, así como también un gran sentido del humor y, porque no, una carga política bastante considerable, ya que los tiempos que corrían casi hacían obligatorio este componente.
David Cunningham pertenecía a este grupo de artistas que decidieron tomar la música como otro elemento para expresarse. Nacido en Irlanda en 1954, David vivía en Londres haciendo cosillas en el mundo del arte contemporáneo y también haciendo de selector de pop en una galería de arte. Supongo que invadido por toda la atmósfera que se vivía en Londres a partir del 77 y, sobre todo, tras la ascensión de Thatcher al poder y la consiguiente nueva hornada de grupos tanto punk como más inquietos intelectualmente hablando, David decide crear su propio proyecto musical. Primero graba un disco solo (Grey Scale en 1977), y luego crea The Flying Lizards. En 1980, y de una forma alucinante, graba su primer disco homónimo y Virgen se lo edita, llegando a ver la luz incluso en países tan folklóricos en esos años como España.
En esencia, este disco es obra de Cunningham en solitario ya que el se encarga de todo, aunque también cuenta con la breve pero decisiva participación de Deborah Lizard (Deborah Evans) en diversas partes vocales.
Cuando este disco salido, muchos críticos lo compararon al trabajo de Devo. Quizás se quedaron en que tanto uno como los otros tomaban el pop como punto de partida para después desmenuzarlo, reducirlo, mutarlo y reinventarlo para el próximo milenio. Pero Cunningham también tenía otros elementos que le diferenciaban de los de Akron. Su background intelectual le hizo acercase a puntos de vista que los americanos nunca se los hubiesen planteado. Tomemos por ejemplo el primer tema del disco, una versión del Der Song von Mandelay de Weill / Brecht. Este disco es como una puerta de acceso a todo el universo Brecha, pero en clave acelerada y con una mirada hacia Edmundo dadá / fluxus al que Cunningham estaba muy puesto. Quizás, si hay que buscar unos ejemplo más claros del sonido general del disco lo tenemos que buscar en Zappa (por el sentido irreverente del músico americano), en los Residents (por su tendencia a comprimir y minimizar los elementos clásicos del pop), Kraftwerk en la utilización de la tecnología electrónica de una forma muy sintetizada, en las teorías acerca de la música popular de Brian Eno y, naturalmente, en todo el trabajo de producción de King Tubby o Lee Perry. La visión reduccionista del pop queda claramente patente en las dos inconmensurables versiones de sendos clásicos de la música popular del siglo XX: Money (That's What I Want) de Berry Gordy y el Summertime Blues de Eddie Cochran, dos preciosas joyas del mínimalismo coñon muy difíciles de superar por la gran cantidad de sorna por segundo que hay en esas versiones. O esa extraña, surrealista, inquietante pero tremendamente hermosa balada titula The Window. Hay también guiños personales a la música que causaba furor en esos días: el ahora denominado post punk, con temas que beben de los mismos elementos que bebían grupos de esos días como The Pop Group o This Heat y, como no, miradas claras hacia el Krautrock. Total, un maravilloso disco que paso sin pena ni gloria y que se ha convertido en una pieza clave para entender el desarrollo de ciertas cosas que luego, con el tiempo, tomaron forma más duradera pero que, quizás, perdieron la gracia que este disco tenia. -
@30segundossobreTokyo:cspwelk6:
Que bonito leche. Que voz. Será que estoy muy sensible ultimamente, pero, ¿acaso escucharlo no produce la sensación de esas caricias pre o after polvo salvaje? Maravilloso.
Desde que estamos precartel, es el mejor hilo para sorprenderse musicalmente.
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King Sunny Ade "Synchro System" (Island 1983)
Cuando hablamos de música hecha en Nigeria, siempre no viene ala mente l nombre de Fela Kuti y de ese afrobeat que el se inventó y luego expandió como un reguero de pólvora por toda África y luego por el resto del mundo. Pero no solo Nigeria dio al gran Kuti y el Afrobeat, ni mucho menos.
¿Existe una psicodélia africana? Todos podemos pensar que no, pero nada más lejano a la realidad. Precisamente en la raíz africana está la némesis del género, sobre todo presente en los Master Musicians Of Jajouka pero también hay ejemplo más elaborados.
A mediados lo los 70, un músico nigeriano crea un grupo llamado African Beats y empieza a dar a conocer la Juju Music, música absolutamente hipnótica, con un altísimo contenido rítmico y melódico que hace que la gente vuele de una forma total al mismo tiempo que no puede por más que mover sus pies y cuerpo de forma continua. King Sunny Ade, así se llama el creador del asunto, se apoya en dos elementos principales: una percusión suave y sinuosa producida por los llamados talking drums, unos pequeños tambores que se colocan debajo de la axila y son golpeados por un arco y que producen unos sonidos muy peculiares según lo deseado y, en segundo lugar, por unas guitarras rítmicas y solitas que realizan unos punteos absolutamente totales. Esas guitarras no están presentes de una forma continua en la canción, sino que o están en un segundo plano o aparecen de forma principal pero por poco tiempo. El sonido de esas guitarras provoca una sensación como de estar ante una versión africana de música cósmica, acentuada por una presencia también modesta, de electrónica de la época, supongo que debida al trabajo en estudio. Todo esto hecho con un grupo de 22 personas
No se sabe como demonios fue la cosa, que la Juju music de Ade llego a los oídos de los responsables de Island que, en esa época, y gracias al éxito de Marley, buscaban entre los sonidos no anglosajones otro Marley con el que arrasar. Se fijaron en Ade y le ficharon para sacar tres discos en Europa y USA, esperando que fuera un bombazo igual al del jamaicano. Ni que decir tiene que la cosa no fue así, pero los tres discos editados por Ade en Island son impresionantes y, sobre todo, este Syncro System. Un disco que sirve para babear de forma continua, si uno se deja arrastrar por esa tormenta rítmica sin fin. Esas guitarras, esos coros, esa percusión son un puto tripi.
Después de terminar su contrato con Island, Ade siguió grabando discos y actualmente sigue siendo uno de los reyes indiscutibles de la música nigeriana. -
Elakelaiset - In Humppa We Trust-Live! (Stupido Records)
Elakelaiset - Humppakarajat (Stupido Records)
Elakelaiset - Humppamaratooni (Stupido Records)
Finlandia, ese país y sociedad que, al ser tan distinta, sentimos una especial atracción sobre él. Bueno, ya se que no es algo excesivamente popular, pero digamos que entre los raros es un país al que le sentimos un especial cariño. El hecho de pasarse tantos días bajo el frió y la noche ártica hace que pensemos que se pueda tratar de una pandilla de gentes más propensas al suicidio que de la fiesta. Falso.
Una de las más grandes contribuciones al campo de la juerga general a nivel mundial que ha dado ese país es un grupo que es prácticamente desconocido aquí: Elakelaiset (me faltan un par de acentos raros, pero básicamente la cosa es así).
¿De que van estos tipos, os preguntareis vosotros, pequeños polluelos? Pues es un cuarteto de simpáticos finlandeses que con un kit de percusión electrónico, un acordeón, órgano, bajo, algún cachivache más y, claro está, sus voces, se dedican al noble arte del humppa pop, lo que es decir, la mutación y desgarro de conocidísimas canciones del pop rock maintsream. A velocidad fija y en suomi, estos tipos basan su espléndida carrera a realizar un cancionero cervecero, irreverente, cachondo y salido de madre. Acostumbra a tocar en pelotas y es muy divertido jugar a adivinar que canción están tocando. No se salva ni dios de que le hagan una versión. Alguno de los nombres que los finlandeses se han encargado de pasar por el forro son Bon Jovi, Queen, Los Del Rio, Oasis, Doors, Clash, Cure, Led Zeppelín, Suzanne Vega y un montón más. Todos los títulos de sus versiones llevan la palabra humpaa que supongo que es su marca de fabrica.
Les aseguro, queridos lectores, que la escucha de uno, dos, tres, cuatro o todos sus discos s, además de un divertimento a gran escala, un sanísimo ejercicio de desmitificación.
Estos seminales finlandeses, tan tarados y primordiales como imprescindibles, como he comentado anteriormente son casi, por no decir, del todo desconocidos aquí. Son muy populares en Alemania, donde actúan en festivales grandes, incluso en festivales con gran presencia heavy; pero también lo son en Dinamarca, los países nórdicos e incluso creo que han actuado en Moscú y en Paris, aunque de esto no estoy seguro.
Su nula presencia en España dice mucho del carácter relativamente extrovertido español, que no se entera de un pijo y menos de lo que pasa fuera de los dos o tres países que el aficionado español imbécil piensa que se hace todo. A ver quien es el valiente que los trae y nos echamos una risas, que hace falta, hombre, con tanto muermo, leñe.
Yo tengo tres discos de los, incluso un directo suyo grabado en el Roskilde del 96. Les recomiendo que se bajen alguna cosilla en la mula, donde están sus 8 discos, y se pasen un rato inolvidable con sus familias, amigos, allegados, compañeros de trabajo, de sindicato y, porque no, sus jefes, que también necesitan de distracción. Ya me dirán. -
Bohren & der Club of Gore "Black Heart" (Woder Records 2004)
Y las luces se apagan, pero por completo. La oscuridad más cerrada se adueña del espacio. Inmediatamente se encienden los primeros cigarrillos. La luz de los encendedores resulta ser un auténtico relámpago dentro de la oscuridad reinante en la sala. Poco a poco, la gente que esta en la sala y que, unos minutos antes, se ha visto sorprendida ante la visión de mesas y sillas en la platea, va guardando silencio porque sabe que algo va a suceder y que hablar solo va a entorpecer lo que se avecina. Los brasas de los cigarrillos encendidos sirven de luces de posición para saber donde están ellos y las copas que, anteriormente, se nos han ofrecido. Baja la intensidad de las conversaciones y, de repente, se intuyen unas figuras que salen al escenario. Uno se pregunta como es posible que no se peguen la gran torta porque realmente no ve nada, o muy poco. Casi al instante unas muy tenues luces surgen del techo del escenario para iluminar, de forma escasa pero supongo que suficiente, el micrófono y otras cosas que los músicos necesitan ver. No es una luz para que el público pueda ver al grupo, ni para que el grupo pueda ver al músico. Los dos estamos a ciegas. No hay ninguna posibilidad de distracción, no hay posibilidad de perderse. Tanto ellos como nosotros hemos de realizar un intenso ejercicio de concentración, de disfrute instantáneo e intenso de lo que, en breves momento, va a pasar.
Al poco rato, todo se inicia. Todo se pone en marcha. El sonido lento, extremadamente lento, va saliendo del escenario y empieza, como una sombra dentro de otra sombra, a invadir cada rincón de la platea. El bajo es tremendamente pronunciado y la batería marco su continuo ritmo lento, alucinantemente lento. Y, al cabo de unos minutos, entra el saxo. Y ya la tenemos montada. Un saxo calidamente frio, afilado y melódico, distribuidor de imágenes en blanco y negro, imágenes llenas de humo, imágenes llenas de inquietud y desasosiego, soledad y melancolía. Imágenes también llenas de un cierto sentimiento de desesperación. El conjunto no deja de asombrar, no deja de hacer que su sonido vaya paulatinamente no solo llenar todo el espacio físico de la sala, sino que vaya entrando como un vapor letal en todos los poros de tu piel. Termina la primera pieza y la gente reacciona como siempre tiene reacciona ante un espectáculo lúdico circense: el aplauso. Craso error. La mejor manera de premiar eso es el silencio. La banda sigue desgranando, al mismo ritmo y con teclados, sus temas densos y oscuros, llenos soledad y misterio. Todo empieza a tener sentido: el porque de la falta de luz, las sillas y mesas y, dejando aparte esos pequeños e insignificantes detalles, el porque a uno le gusta la intensidad en el arte. Solo en la intensidad uno puede disfrutar de cosas que no solo sirven para uso y disfrute lúdico, sino que también sirven para realizar un breve viaje al interior de sentimientos y emociones mucho más personales que las que siempre estamos habituados a tener a mano.
Los primeros comentarios van apareciendo entre los espectadores, alabando la música y la puesta en escena, absurdos y nimios comentarios propios de espectadores que gustan de hacerse el interesante. Pero el grupo no esta para eso, ni yo tampoco. Incluso uno empieza a seguir el ritmo ralentizado hasta la extenuación y a pensar porque demonios a esto se le llama “horror-jazz”. Me meo de la risa. Para cagarse. Esto es música enorme y sin ninguna posibilidad de etiquetación.
El bolo va terminando, vamos bajando de la nube. El grupo empieza a mostrar que la cosa termina y ordena alas sombras que vuelvan al escenario y, de allí, a sus instrumentos. Nuestros ojos ya se han acostumbrado a la oscuridad y lo que hace unos minutos era opaco, ahora ya es casi luminoso. El grupo termina su repertorio, el público aplaude forma unánime, algunos esperamos un bis. Después, algunos esperamos que los componentes del grupo salgan a vender merchandising y lo compramos. La realidad ha vuelto, la magia se ha ido, pero está enlatada en cada copia de este disco. Solo hay que tener un reproductor, un sofá, unos auriculares y las ganas de que la oscuridad y el misterio te vayan entrando por cada oreja y disfrutes de ella. Y, gracias a esta oscuridad, lo veras todo un poco más claro. -
@30segundossobreTokyo:1osq0eic:
Elakelaiset - In Humppa We Trust-Live! (Stupido Records)
Elakelaiset - Humppakarajat (Stupido Records)
Elakelaiset - Humppamaratooni (Stupido Records)
Finlandia, ese país y sociedad que, al ser tan distinta, sentimos una especial atracción sobre él. Bueno, ya se que no es algo excesivamente popular, pero digamos que entre los raros es un país al que le sentimos un especial cariño. El hecho de pasarse tantos días bajo el frió y la noche ártica hace que pensemos que se pueda tratar de una pandilla de gentes más propensas al suicidio que de la fiesta. Falso.
Una de las más grandes contribuciones al campo de la juerga general a nivel mundial que ha dado ese país es un grupo que es prácticamente desconocido aquí: Elakelaiset (me faltan un par de acentos raros, pero básicamente la cosa es así).
¿De que van estos tipos, os preguntareis vosotros, pequeños polluelos? Pues es un cuarteto de simpáticos finlandeses que con un kit de percusión electrónico, un acordeón, órgano, bajo, algún cachivache más y, claro está, sus voces, se dedican al noble arte del humppa pop, lo que es decir, la mutación y desgarro de conocidísimas canciones del pop rock maintsream. A velocidad fija y en suomi, estos tipos basan su espléndida carrera a realizar un cancionero cervecero, irreverente, cachondo y salido de madre. Acostumbra a tocar en pelotas y es muy divertido jugar a adivinar que canción están tocando. No se salva ni dios de que le hagan una versión. Alguno de los nombres que los finlandeses se han encargado de pasar por el forro son Bon Jovi, Queen, Los Del Rio, Oasis, Doors, Clash, Cure, Led Zeppelín, Suzanne Vega y un montón más. Todos los títulos de sus versiones llevan la palabra humpaa que supongo que es su marca de fabrica.
Les aseguro, queridos lectores, que la escucha de uno, dos, tres, cuatro o todos sus discos s, además de un divertimento a gran escala, un sanísimo ejercicio de desmitificación.
Estos seminales finlandeses, tan tarados y primordiales como imprescindibles, como he comentado anteriormente son casi, por no decir, del todo desconocidos aquí. Son muy populares en Alemania, donde actúan en festivales grandes, incluso en festivales con gran presencia heavy; pero también lo son en Dinamarca, los países nórdicos e incluso creo que han actuado en Moscú y en Paris, aunque de esto no estoy seguro.
Su nula presencia en España dice mucho del carácter relativamente extrovertido español, que no se entera de un pijo y menos de lo que pasa fuera de los dos o tres países que el aficionado español imbécil piensa que se hace todo. A ver quien es el valiente que los trae y nos echamos una risas, que hace falta, hombre, con tanto muermo, leñe.
Yo tengo tres discos de los, incluso un directo suyo grabado en el Roskilde del 96. Les recomiendo que se bajen alguna cosilla en la mula, donde están sus 8 discos, y se pasen un rato inolvidable con sus familias, amigos, allegados, compañeros de trabajo, de sindicato y, porque no, sus jefes, que también necesitan de distracción. Ya me dirán.30"" tio! no sabes lo que has hecho! Desde que me he bajado de la mula los discos de esta gente en mi piso nos vamos a dormir a las tantas descubriendo de quien es el original que (per)vesionan los freakys estos, que grande tio, que risa!
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Bueno, no es ningún merito por mi parte. Me alegro de que te gusten. A mi y ami señora nos llevan alegrando la existencia desde hace unos años y nunca fallan cuando el animo está un poco bajo.
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@30segundossobreTokyo:3okaqep3:
Bueno, no es ningún merito por mi parte. Me alegro de que te gusten. A mi y ami señora nos llevan alegrando la existencia desde hace unos años y nunca fallan cuando el animo está un poco bajo.
O Cuando hay que acoger a un turista en su coche. A mi también me parecieron la mar de divertidos
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bueno, creo que podemos iniciar una pequeña comunidad hummpa.
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@30segundossobreTokyo:2dvqeift:
bueno, creo que podemos iniciar una pequeña comunidad hummpa.
Joer, menudos pintas…
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EYELESS IN GAZA "VOICES" (Cherry Red 1993)
Eyeless In Gaza son un auténtico producto de su época. Nacidos en el 80 en pleno cambio estilístico que pretendía cambiar las estructuras de la música popular tras el torbellino punk & new wave, Martin Bates y Peter Becker realizaron el pequeño milagro de mezclar y crear con esa mezcla un sonido particular. Como no podía ser de otra forma, el dúo absorbió todo lo de industrial y electrónica que estaba naciendo en esos años, pero lo suyo era conjuntar estos elementos, en dosis muy justas, con el espíritu pop británico y hasta con algunas gotas de folk. Vanguardista. Pero su esencia pop no les hizo caer en la tentación de realizar canciones obvias, sino que ellos trataron de realizar algo distinto. Aunque sus canciones tengan estribillos y, algunas de ellas, son serias aspirantes a quedar en la memoria, los fondos instrumentales les hacia ser distintos a cualquier banda pop que usara guitarras. Eyeless In Gaza eran (son, pues parece que siguen en la brecha, buenas noticias) únicos a la hora de unir tecnología y lirismo, y buena parte de ello la tienen la hermosa voz de Bates Esta recopilatorio es una muy buena forma de entrar en su mundo ya que recoge la que para mi es su mejor época (1980 – 1986). Se puede apreciar claramente la evolución de su sonido, desde las canciones con una estructura más o menos mínima hasta las que, en el último tramo del disco, necesitan de mayor sostén sonoro. Pero todas están cimentadas en unas melodías y en eso que hace del pop algo fugaz a la vez que intemporal. Y, tampoco hay que ocultarlo, Eyeless In Gaza forman parte del núcleo primigenio que luego se llamo escena independiente británica, tanto ellos como otros compañeros de días y de discográfica, la ya legendaria Cherry Red.
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SIOUXSIE & THE BANSHEES "JOIN HANDS" (Polydor 1979)
No cabe duda de que el Join Hands no es un disco fácil. Todo al contrario, es abrupto, oscuro, denso y requiere un buen número de escuchas para poder apreciarlo, pero una vez asimilado y entendiendo el porque de su existencia, uno puede saborear de pleno con su amplio catálogo de logros. Lo más fácil que Siouxsie y los suyos pudieron haber hecho tras su brutal estreno hubiese sido crear un disco más o menos parecido a The Scream, pero creo que ni ella ni los suyos estaban por esa labor. Creo que Siouxise & The Banshees era el grupo más evolucionado y con una perspectiva más adelantada de todos los que surgieron en la primera andanada punk. Si tomamos a Hong Kong Garden, su primer single, como punto de partida, vemos muy a las claras que lo suyo era mucho más que 4 acordes mal tocados y vender una actitud. Su sonido era distinto, complemente fuera de todo control estilístico dentro de la anarquia estética reinante en esos días. The Scream fue la prueba concluyente de ello, pero si alguien se pensaba que tras esos primeros pasos discográficos la cosa decaería y el grupo pasaría a formar parte de la enorme lista de grupos de solo un disco, Join Hands apareció para poner en solfa a todos ellos, descuadrar a todo el mundo, demostrar que lo suyo no solo no era un bluf, sino que eran capaces de ofrecer algo más, algo completamente nuevo y que pocos lo vieron en esos días. Digamos que el sonido que los Banshees propinan fue adoptado por unas personas que lo bautizaron como “gótico” y otras como “post punk”, pero personalmente opino que Siouxsie & The Banshees, con este disco, abrió las puertas a un nuevo concepto de la psicodélia de la que luego se adueñaron otros grupos. Utilizando el ruido, la distorsión y un cierto espíritu improvisador (totalmente claro en The Lords Prayer), el grupo se lanzó de lleno a crear eso que luego se llamaría noise rock, pero como siempre ocurre, ellos lo hicieron de una forma muy distinta a lo que luego se hizo popular.
El grupo actúa en este disco como una implacable máquina que sirve para crear el máximo ambiente de angustia posible. La guitarra McKay no deja ni un segundo de tregua, estrujando las cuerdas y sacando todo lo que puede y más de ese instrumento. El bajo de Severin es una inmenso corazón de alucinantes paisajes de complejidad intrínseca, la batería de Morris (dios, que forma más cafre de tocar la batería tenia este tipo) simplemente bombardea a diestro y siniestro machacando neuronas y, claro esta, Siouxsie se encuentra como pez en el agua en el papel de suma sacerdotisa de un extraño culto, con esa voz que es una constante montaña rusa que va de arriba debajo de forma continua.
Los temas del disco no ofrecen ninguna duda: son los más oscuros y misántropos de toda la carrera del grupo y uno de los más notables de todos los paridos en esa época. Incluso en Mother / Oh Mein Pa Pa el grupo se permite la licencia de tener dos letras distintas, cantadas al unísono por Sioux y que crea un efecto alucinante: en una de ellas, el de la madre, Sioux canta de forma encantadora y angelical; en la otra es una monstruo perturbador y posesivo, todo eso a un ritmo de nana (se usan sonajeros, cajas de música y otros instrumentos relacionados con la infancia) que va mutando hasta convertirse en inquietante zumbido / crujido a medida que la letra avanza. En otra pieza del disco, Regal Zone, se habla de varios aspectos macabros y del abuso de poder y se podría considerar a The Lords Prayer como el Sister Ray del grupo, y así un amplio catálogo de lindezas que hacen de este disco una obra hermosamente insana, inmerecidamente obviada por los fans y una de las cumbres del auténtico sonido post punk (de nueva psicodélia, como queráis llamarlo). Después de ese disco, el grupo cambiaria de miembros y cambiaria también de sonido, pero no llego nunca a prostituirse, sino que buscó otras formulas. Y eso hace de Siouxsie & The Banshees un grupo como la copa de un pino además, claro está, de su música pura y desnuda. -
BRIAN ENO & DAVID BYRNE "MY LIFE IN THE BUSH OF GHOSTS" (EG 1981)
Disco revolucionario como pocos. A lo mejor sin pretenderlo, aunque vete tu a saber si esos dos no se pensaban ya que esto tendría repercusiones, Eno & Byrne crearon la primera señal de lo que luego derivo hacia otros lugares, pero que tenían a este disco como unto de partida.
Terminada la aventura del Remain In Light, Eno & Byrne vieron que su colaboración mutua no había terminado y que podrían hacer algo más. Decidieron seguir avanzando en los terrenos funk, pero todavía adentrándose en las teorías experimentales de Eno y decidieron que su próxima colaboración tendría un protagonista principal: los medios de comunicación. No seria un disco cantado, pero no instrumental. Utilizaron diversas fuentes sonoras provenientes de diversas fuentes grabadas de ante mano y, en un tanto por ciento muy importante, de emisiones de radio. Así nació el primer disco que intenta reflejar, de una manera concisa, el amplio mundo de los medios de comunicación en un contexto musical en gran medida popular, aunque no por ello dejando de lado la experimentación. Y quizás es el primer gran disco donde la electrónica, la música de baile y el pop se dan la mano de una manera precisa.
Eno & Byrne se rodearon de un amplio número de músicos, 10 en total entre ellos Chris Frantz, Bill Laswell y Busta Jones para crear la base instrumental. Ellos dos, aunque también le daban a los instrumentos musicales, se encargaron en gran medida de buscar y ensamblar los distintos cortes de voz que acompañarían a estas partes instrumentales.
No es un disco absolutamente bailable, ya que hay temas más calmados y densos, incluso los temas más movidos hay un cierto sentido de tirantez en su interior. Es como si Eno & Byrne pretendieran crear un mosaico de imágenes que reflejaran las distintas idiosincrasias del mundo de la época, idiosincrasias que, años después de realizar el disco, continúan muy vigentes. Aunque existen muchos discos que son capaces de crear imágenes mentales, este no solo lo hace, sino que es ideal para escuchar viendo un video wall con distintas imágenes.
En la música de este disco encontramos las referencias funk que tanto le gustaban a Byrne y Eno en esa época, pero también encontramos piezas de clara influencia árabe, piezas de ritmo serpenteante y enigmático. Canciones que ponen la piel de gallina como Help Me somebody, con la voz del radio predicador gritando mensajes de redención y pecado; o Mea Culpa con la voz de un muy cabreado ciudadano llamando a una comisaría de policía; o en Come With Us (un tema absolutamente adelantado a su época) con la voz de otro evangelizador radiofónico. Incluso el dúo se permite, en los dos últimos traces, explorar las posibilidades del ambient.
En fin, para que contar más cosas. My Life In The Bush Of Ghosts abrió y mostró a toda una generación las múltiples posibilidades de la electrónica y la utilización de fuentes externas de sonido para la realización de música popular, cosa a la cual ahora estamos tan habituados. -
Recuerdo cuando me compré estos tres vinilos de una atacada, en una feria de coleccionismo discográfico, con una resaca de anfetaminas del carajo, sin poder articular palabra a pesar de las lisonjas que el vendedor me dedicaba por mi buen gusto, mientras yo le miraba así:
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@30segundossobreTokyo:33pq0drd:
SIOUXSIE & THE BANSHEES "JOIN HANDS" (Polydor 1979)
Como curiosidad señalar humíldemente que con ella tocaron en sus comienzos, Sid Vicious (la batería), Robert Smith y Marco Pirroni (guitarrista de Adam & the Ants).Tengo un libro de fotos donde sale ella como jovencísima fan en un concierto de los Sex Pistols.
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bueno, smith volvio a tocar con ella cuando McKay se fue del grupo inmediatamente despues de este disco. Yo ví en Barcelona un bolo de Siouxsie & The Banshees con Smith a la guitarra.
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A mí el que me sigue poniendo la piel de gallina es éste:
De los de Nueva York me gustan todos pero el honor de piel de gallina es para él.
El pasado año me perdí el concierto de Ranaldo en el Auditori y lo sigo lamentando. -
…
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hablando de NICK CAVE, muy buena la BSO de "The proposition" con Warren Ellis
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Hacia días que no pasaba por aqui… será cosa de arreglarlo.
Definitivamente, eso de la exploración espacial y todo lo relacionado con otras galaxias y la vida extraterrestre ya no es lo que era. Ahora, todas las noticias acerca de un nuevo lanzamiento de naves o sondas o acerca de descubrimientos acerca del espacio y todo lo que lo rodea lo asimilamos con frialdad y naturalidad, como si esto de los años luz, supernovas y todo eso lo viviésemos cada día. Nos alimentamos de esas noticias entre cucharadas de sopa y viajes al filete de ternera o de pollo resfriado en las noticias del mediodía o de la noche. Les prestamos muy poca atención. Los pensamientos van todos hacia la hipoteca de rigor, el jefe cabrón, el maestro chungo o, algunos de nosotros, en otra “galaxia” más cercana físicamente, pero económicamente a pársecs de distancia de nuestras cuentas corrientes ajustadas cada DIA 20 de mes. Nos hemos vuelto, en ese aspecto y en otros muchos, una sociedad cerrada en los límites de la troposfera, viéndonos a nosotros mismo los únicos desgraciados del universo y sin ninguna curiosidad para ver si hay alguna salida a esta situación, aunque esta salida sea ofrecida por seres evolucionados que han superado el asunto ese de los pisos de 30 metros cuadrados o de las elecciones sindicales. Estamos, desde hace tiempo, en una edad media, amigos, donde la abulia y la apatía reinan en nuestros corazones para provecho de los poderes de siempre, que así ven como nuestra principal arma, la imaginación, queda castrada hasta los límites de un vegetal. Y no veas lo bien que les va esto.
Pero no siempre ha sido así, querido amigos. Hubo un tiempo no muy lejano donde todo era distinto. Un tiempo donde la humanidad, de todos los credos, colores, situación económica y filiación deportiva veía el espacio como, no solo la puerta a inmundo mejor para la humanidad entera, sino como una enorme y fructífera forma de expresión artística. Una muy divertida expresión artística, por cierto. El arte humano del siglo XX está trufado de continuas referencias al espacio y a todos los misterios que este ofrece. ¿Por qué ocurrió esto? Pues, como ya conocéis mi teoría, durante una gran parte del siglo XX una intensa colonia alienígena estuvo en la tierra controlando diversos canales del entendimiento terrestre. Así, muchos de estos exploradores de otras galaxias nos estudiaron y, algunos de ellos, incluso nos legaron algunas de sus expresiones artísticas creando un fenómeno amado por todos: la música popular del siglo XX también conocida por música pop. De esta manera, una serie de extraterrestres, con forma y nombre humano, fueron introdujendo de una manera paulatina, pautas de creación artística unas veces puras y otras con alto grado de influencia humanoide. Y uno de ellos tenía la forma corpórea humana que respondía al nombre de Joe Meek. Este alienígena, de origen desconocido se encargo, detrás de una mesa de controles de un estudio de grabación en Inglaterra. Tomo su forma terrestre en ese país en 1929 y durante las décadas posteriores a su maduración como terrícola, traslado sus conocimientos acerca de electrónica extraterrestre a los primitivos artefactos que creando una serie de aparatos que le sirviesen para recrear la música popular de su planeta en la Tierra. Como sus conocimientos manuales, intelectuales y psíquicos eran mucho más avanzados a los terrestres, compagino su tarea de ingeniero musical e investigador sonoro con el de músico. A lo largo de su estancia en la Tierra hasta el momento en que fue definitivamente reclamado en su planeta y dejo su forma corpórea (1967), el extraterrestre conocido como Joe Meek dio a la humanidad tonadas y canciones que, expandidas en las ondas hertzianas terrestres, causaron sensación entre los jóvenes terrícolas, sensación que hasta incluso en la actualidad algún amante de los sonidos de esos años todavía tiene en gran aprecio.
Pero no cabe dudad de que el máximo exponente de la generosidad del extraterrestre conocido por Joe Meek hacia los humanos fue este I HEAR A NEW WORLD, considerado música futurista por los humanos y un ejercicio de música Fol. por su creador. Realizado en 1960, el disco es un descomunal ejercicio de retro pop realizado mucho antes de que alguien se le ocurriese ni siquiera como demonios llamar al pop, simplemente porque este no había nacido todavía. En el escuchamos como es posible hacer algo bello y extasiante partiendo de la bizarrez y lo extraño, esto siempre visto desde ojos terrestres, claro esta. Meek y sus ayudantes, llamados a si mismos The Blue Men’s (cabe mayor evidencia…) dan, en solo unos 30 minutos (tiempo terrestre) toda un curso a los humanos de cómo tenia que ser la música desde ese preciso momento, una música donde la electrónica pasase a ser fundamental tanto en el proceso de creación como en el de la interpretación, pero una cosa importante es que Meek también muestra en este disco como se puede ser divertido a la vez que experimental. No busque en estas canciones tres mil pies al felino, disfruten de un enorme y monumental ejercicio de clarividencia artística y la obra condensada de un ser viviente que llego del espacio exterior para enseñarnos lo que se puede hacer en la música. Tomen nota y vuelvan sus ojos y sus mentes al espacio exterior. Abran su imaginación y, además de pasárselo muy bien, les darán por el saco a más de uno.
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